Il y a des jours où on se lève le matin et on se dit qu’on va aller au cinéma. Une fois motivé, on se dit qu’on va aller voir Shrek, et on atterri finalement Salle 8 de l’UGC de Châtelet pour voir La Disparition d’Alice Creed. Je n’avais absolument pas entendu parlé de ce film, mais Damien en avait eu de bons échos et nous nous sommes finalement décidés pour aller voir ce thriller anglais britannique, premier film de J Blakeson. Je suis donc arrivé dans la salle ne sachant rien du concept si particulier qui caractérise ce film et qui se résume en un chiffre: 3. En effet, on ne voit que trois personnages principaux et aucun figurant n’apparaît. L’introduction est simple: deux inconnus enlève une jeune femme du nom de Alice Creed. On ne sait pas qui elle est. On ne sait pas qui ils sont. On ne sait pas ce qu’ils veulent. On ne sait pas pourquoi ils l’ont enlevé.

Ce huit-clos réduit donc le kidnapping à son élément le plus simple et pourtant le plus complexe: le lien qui se crée entre les ravisseurs et la victime. Dans les thrillers en général, on commence par présenter la victime, on la voit se faire enlever, le FBI intervient, on voit et on vit l’inquiétude des proches, une rançon est demandée et une enquête commence pour essayer de retrouver la victime. C’est une mécanique bien huilée et bien connue de tous. La disparition d’Alice Creed ne respecte aucun de ces codes. Le film ne se concentre que sur une chose: la relation complexe et unique qui se crée entre le/les ravisseurs et la victime, car pour une fois, le film se passe du côté des « méchants ». Les dix premières minutes du film sont froides et plonge le spectateur dans une ambiance glaciale. Pas un seul dialogue durant 10 minutes. Juste une succession de scènes, d’actions, de préparation. Pas un mot n’est dit jusqu’au moment où la victime est en captivité.

Le début du film fait donc une très grande impression au spectateur. Durant le film, le jeu des acteurs est très bon et tout particulièrement celui de Gemma Arterton, ex-James Bond girl, qui interprète Alice Creed. Elle parvient à jouer d’une façon presque parfaite son rôle où elle est réduite à l’état d’objet, attaché et vulnérable. Même si le scénario est parfois prévisible, Gemma Arterton (Alice), Eddie Marsan (Vic) et Martin Compston (Danny) nous offre une prestation très convaincante et nous permet de passer un bon moment.

Ayant été un grand fan de la trilogie Millénium écrite par Stieg Larsson, j’étais impatient de savoir de quelle manière Daniel Alfredson allait pouvoir surpasser son prédécesseur. En effet, sans être un classique du cinéma, le premier opus de Millénium, bien que quelque peu décevant, était plutôt bien réussi. Une histoire qui nous tient en haleine jusqu’à la fin, une intrigue qui se mêle et se démêle à souhait. Le plus grand reproche qu’on pouvait faire au premier opus était la trop petite place laissé aux personnages secondaires (Lisbeth Salander et Erika Berger) et l’oubli conséquent des relations qu’ils pouvaient exister en ces personnages. Je suis bien conscient que l’adaptation d’un livre au cinéma n’est jamais évident, et même qu’on ne peut pas tout y mettre. Il y a cependant une limite, et cette limite vient une nouvelle fois d’être franchie.

Le film commence sur les chapeaux de roues: on retrouve les protagonistes un an après le premier opus. A ce moment, premier réflexe de ma part: il s’est passé quoi déjà dans le tome 1 ? Pas moyen de me rappeler en détails les relations qui avaient été ou non abordées entre les personnages. Aucune piqure de rappel n’est faite afin que le spectateur se retrouve dans l’univers de Millénium. Dur dur le début! Après quelques minutes, on parvient enfin  se remettre dans le bain, et les souvenirs du premier opus reviennent. Le début est long, très long, trop long et l’intrigue tarde à se mettre en place. Par contre, une fois lancé, on ne l’arrête plus. On va de révélations en révélations, toutes plus surprenantes les unes que les autres. L’autre gros point positif est la place qui est donné à Noomi Rapace. Il était temps qu’elle soit le centre de l’intrigue tant les questions sur son passé sont nombreuses. La caméra, en se focalisant sur son histoire, devient moins froide, et tente de toucher la sensibilité de cet être qu’on croyait invulnérable et au dessus de tout sentiment. Mais ces quelques points positifs ne permettent pas de sauver une cause perdue d’avance. Même si une adaptation d’un roman ne peut être fidèle à 100%, on doit tout de même retrouver l’essence du roman dans son adaptation, ce qui ici est loin d’être le cas.

Ce qui fait qu’une trilogie comme Millénium est si passionnante c’est que l’auteur a, sur l’ensemble des trois tomes, parsemé son texte de plusieurs dizaines de détails, d’allusions, qui, au premier abord ne semblent pas importantes. Et pourtant… ce sont ces détails qui rendent cette trilogie si passionnante, si captivante. La relation atypique qu’entretiennent les personnages les uns avec les autres, leurs états d’âmes et leurs sentiments, tout cela est balayé dans le film. Toutes les petites finesses de la version papier, qui participaient tant au déroulement de l’intrigue ont tout bonnement été supprimé. Le résultat est là: un film intéressant, insipide, sans profondeur et la liste pourrait continuer…

Cela fait un petit moment maintenant que je n’ai pas posté d’article, d’ailleurs vous avez du remarquer que notre rythme de publication s’est pas mal ralenti ces derniers temps. Notre motivation pour continuer à faire vivre Silence ça tourne n’a pas changé, mais ces derniers temps nous avons préféré privilégier nos carrières professionnelles naissantes.

Je vais profiter de cet article sur Prince of Persia pour inaugurer une nouvelle approche éditoriale: fini les fiches d’identité en début d’article et le synopsis. Pour ces infos, nos amis d’Allocine font du bon boulot, et ce sera donc à nous de vous apporter une vue plus personnelle des films à l’affiche et du monde du cinéma. N’hésitez pas à nous dire ce que vous en pensez.

Après m’être tenu un long moment loin des salles obscures je suis retourné au ciné pour voir l’adaptation du célèbre jeu vidéo « Prince of Persia ». Les nombreuses, pour ne pas dire toutes, adaptations de jeux vidéos au grand écran, ont été une déception, voir carrément des navets (vous savez comme Street Fighter en 1994). Les premiers retours de Prince of Persia n’était pas très encourageant, mais bonne surprise de mon côté, j’ai trouvé cette adaptation plutôt réussie. Attention, ce n’est pas un grand film, mais c’est un film d’aventure sympathique. Si vous avez aimé la saga Pirates des Caraïbes, pour autre chose que Johnny Depp, ce film devrait vous plaire. Les ingrédients d’un bon film d’aventure mythologique sont réunis : un beau prince (un peu rebelle), une magnifique princesse, un royaume en guerre, de la magie, on mélange le tout, on saupoudre du savoir faire de Disney et on a une chance sur deux pour avoir un film de divertissement de bonne qualité, ce qui est le cas ici je pense.

L’histoire est très classique, un prince trahi qui va être entrainé dans une aventure par une belle princesse, et qui cherche à retrouver son honneur… Ok, c’est pas très original mais c’est pas trop mal foutu. Ce qui est bien réussi par contre, ce sont les décors de la Perse Antique. Je suis très sensible aux décors des films, qu’ils soient vrais ou de synthèse. L’architecture des décors n’est pas vraiment cohérente d’un point de vue historique, néanmoins elle permet de nous immerger dans l’ambiance du film. La Perse Antique est une source d’inspiration riche pour ce genre de film.

Pour une fois l’ambiance du film colle bien avec l’ambiance de la série des jeux, mais le film aurait pu être plus sombre pour coller encore plus aux jeux. Du coup le public du film n’aurait pas été le même. Les cascades par exemple, collent très bien avec les jeux : le prince saute, court sur le mur… c’est plutôt bien fait. Un dernier truc cependant. Il manque un ingrédient : de la magie noire et des créatures des ténèbres. En gros le film aurait du être plus noir à mon goût.

Qui ne connaît pas le conte d’Alice aux pays des merveilles? Qui n’a jamais voulu suivre le lapin blanc au fond du terrier ou prendre le thé avec le chapelier fou? Alice aux Pays des Merveilles fait parti de ces contes qui ont bercés mon enfance. Alors quand j’ai su que le grand et génial Tim Burton allait en faire une adaptation, je me suis dit qu’aucun autre ne pouvait faire mieux que lui. Personnellement j’adore l’univers de Tim Burton. Il fait toujours des adaptations improbables avec une touche toute personnelle bien reconnaissable. C’est donc avec une excitation certaine que je suis allé voir ce film. Verdict? Vous le connaîtrez juste après notre petite fiche d’identité.

Réalisateur: Tim Burton
Avec: Tim Burton, Johnny Depp, Mia Wasikowska, Michael Sheen, Matt Lucas, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover
Long métrage américain
Genre: Fantastique , Aventure , Famille

Synopsis:

Alice, désormais âgée de 19 ans, retourne dans le monde fantastique qu’elle a découvert quand elle était enfant. Elle y retrouve ses amis le Lapin Blanc, Bonnet Blanc et Blanc Bonnet, le Loir, la Chenille, le Chat du Cheshire et, bien entendu, le Chapelier Fou. Alice s’embarque alors dans une aventure extraordinaire où elle accomplira son destin : mettre fin au règne de terreur de la Reine Rouge.

C’est LE film le plus attendu de ce mois de mars. Pour ce film, Tim Burton a fait appel à quelques acteurs de sa connaissance. Johnny Deep qui tourne pour la septième fois avec le réalisateur américain dans le rôle du Chapelier Fou ainsi qu’Helena Bonham Carter qui en est à sa sixième collaboration avec son mari. Enfin dans le rôle d’Alice, on retrouve … un totale inconnue!! En effet, Mia Wasikowska a été choisi dans pour interpréter le rôle d’Alice. D’après Tim Burton, c’est sa gravité, sa sagesse et sa maturité qui l’ont convaincu… Personnellement, Mia Wasikowska ne m’a pas absolument pas convaincu, et le long-métrage de Tim Burton encore moins.

Commençons par les points positifs. J’ai adoré les décors et les costumes. C’est à peu près tout ce que j’ai aimé. Concernant les décors, il a fallu à peine 40 jours de prises de vue pour ce film. Tout le reste vient de la magie des effets spéciaux. On y reconnait la touche Tim Burton et c’est ce qu’on l’on adore dans ces films. Concernant les costumes, la collection printemps/été 2010 de Donatella Versace, des accessoires de Stella McCartney, des bijoux de Tom Binns ou des robes uniques de grands créateurs ont été inspirés par le film, tout comme un collection de bijoux de cristal issue de la maison Swarowski. Et c’est à peu près tout… Oui c’est à peu près tout ce que j’ai trouvé de bien dans ce film. Le jeu des acteurs est plus que moyen. Johnny Deep dans le rôle du Chapelier Fou est celui que je trouve le moins mauvais mais il lui manque le petit quelque chose qu’il a lorsqu’il joue Willy Wonka dans Charlie et le chocolaterie ou le capitaine Jack Sparrow dans la saga Pirates des Caraïbes. Le scénario est inexistant, vide, plat au possible, sans vie. Durant tout le film on s’ennuie et on n’a qu’une hâte, qu’il se termine. And last but nos least, la bande son. C’est un des éléments essentiels dans un film. C’est ce qui le porte. Prenons l’exemple d’Avatar de James Cameron. Mise à part la nouvelle technologie utilisé (caméra 3D), c’est du vu et revu et re -revu (Pocahontas, Danse avec les loups et j’en passe). Pourtant, loin d’en faire le meilleur film de tout les temps, le film nous marque car la bande son, entre autres, est juste étonnante. Elle porte le film dans les moments clés, nous fait vibrer et ressentir l’action.

Dans Alice aux pays des Merveilles, je n’ai pas senti cette action, cette ambiance, cette sensation. Je suis sorti de la séance déçu. Déçu par un Tim Burton dont j’adore les films. Déçu par un Johnny Deep d’habitude si brillant. Déçu par le manque de profondeur du personnage d’Alice. Ma seule consolation c’est que j’aurais toujours le conte de Lewis Caroll pour me rappeler ce conte de mon enfance…

Réalisé par Roman Polanski
Avec Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Kim Cattrall
Long-métrage français.
Genre Thriller
Durée 2h08 min

The Ghost Writer est le dernier film de Roman Polanski, pour ceux qui ne le connaissent pas, on a beaucoup parlé de lui ces dernier mois du fait de ses déboires avec la justice Américaine et Suisse. Ce mélo-drama-peopolo-judiciaire a donné lieu à une polémique autour du réalisateur. Ne comptez pas sur moi pour y ajouter de l’huile sur le feu, il y a eu bien assez de journaux, de journalistes, sérieux ou pas, et autre blogs qui en ont parlé. Tout ce qui m’intéresse c’est The Ghost Writer, un thriller politique assez orignal, adaptation du de L’Homme de l’ombre, de Robert Harris.

Synopsis :

The Ghost, un  » écrivain – nègre  » à succès est engagé pour terminer les mémoires de l’ancien Premier ministre britannique, Adam Lang. Mais dès le début de cette collaboration, le projet semble périlleux : une ombre plane sur le décès accidentel du précédent rédacteur, ancien bras droit de Lang…

A la lecture du synopsis et après avoir vu la bande annonce , je me suis dit, voilà un thriller politique, calme avec une histoire un peu tordue comme on les aime, le tout dans un scénario bien pensé. Côté scénario le film a répondu à mes attentes. The Ghost Writer nous plonge dans une sombre histoire de magouilles politiques, et qui n’est pas sans rappeler des scandales géo-politiques récents, avec un certain M.Blair notamment. Le tout se déroule dans une sorte de huis-clos, sur une île au large de la côte Est des Etats-Unis (mais pas vraiment le même genre de celle où se déroule Shutter Island, celle de The Ghost Writer étant plus chic). L’ambiance rappelle un peu les films de Hitchcock, simple, sombre et pesante.

Mais, car il y a toujours un mais, The Ghost Writer a un scénario qui tient la route, qui se déroule dans des décors et une ambiance qui se combinent très bien, mais il m’a déçu sur un point: il n’y pas de rythme dans ce film. Pour être plus clair, l’histoire, aussi bonne soit-elle, est déroulée à vitesse d’escargot. Un jour il faudra m’expliquer pourquoi les « grands » réalisateurs aiment tant les plans de 50 secondes sur un acteur qui fait rien et ne dit rien. Il y a à mon sens, dans le film, des lenteurs qui nuisent à la fois à l’histoire, mais aussi au jeu des acteurs, qui par moment sont juste plantés dans le décor sans qu’il ne se passe rien, mais surtout sans que cela n’apporte quoi que ce soit à l’histoire.

Je ne peux pas dire que c’est un mauvais film, car j’ai bien aimé l’histoire et sa thématique. Par contre je ne peux pas dire que je ne me soit pas ennuyé par moment. Dommage, The Ghost Writer avait un potentiel pour faire un thriller politique excellent, comme on n’a pas vue depuis un moment. On peut se demande si l’absence de Roman Polanski n’y est pas pour quelque chose…

Réalisé par Martin Scorsese
Avec Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley
Genre : Thriller
Durée : 2h17 min
Année de production : 2008

C’est le grand retour de Martin Scorsese. Après Les Infiltrés en 2006, qui sort de son registre habituel, les gangsters et les intrigues policières sont de retour, pour nous livrer un thriller très très noir. Ces thrillers noirs, un peu dans le genre de SAW, à l’ambiance hôpital psychiatrique et esprit tordus, ne sont pas vraiment mon genre, mais quand c’est Scorsese derrière la caméra, cela m’intrigue (même si DiCaprio m’énerve, en général).

Synopsis :

En 1954, le marshall Teddy Daniels et son coéquipier Chuck Aule sont envoyés enquêter sur l’île de Shutter Island, dans un hôpital psychiatrique où sont internés de dangereux criminels. L’une des patientes, Rachel Solando, a inexplicablement disparu. Comment la meurtrière a-t-elle pu sortir d’une cellule fermée de l’extérieur ? Le seul indice retrouvé dans la pièce est une feuille de papier sur laquelle on peut lire on peut lire une suite de chiffres et de lettres sans signification apparente. Oeuvre cohérente d’une malade, ou cryptogramme ?

Comme je le disais Shutter Island est un film noir, et l’ambition glauque du film est particulièrement bien réussie. On a constamment le sentiment d’être oppressé, observé. Les décors, autant les décors extérieurs de l’île, que les prises de vue en intérieur, y sont pour beaucoup dans l’ambiance du film. Le fait que l’histoire se déroule sur une île renforce le sentiment d’être prisonnier. Je dois dire que l’ambiance dérangeante du film m’a bien plus plu que l’histoire en elle même. Pour la petite histoire au large de Boston, aux Etats-Unis, on trouve pleins de petites îles avec des ruines semblables à celles que l’on voit sur l’île du film, vous pourrez les retrouver en vous baladant dans Google Earth. Je n’ai pas trouvé la localisation précise où le film a été tourné, mais je suis sûr qu’une de ces îles à servies de décor.

Shutter Island joue avec l’esprit et les repères du spectateur, et l’histoire vous balade un peu dans tout les sens, pour essayer de vous perdre, volontairement, avec une série de faits et d’intrigues plus ou moins importants. Une fois pris par l’histoire, vous penserez peut être avoir compris les tenants et les aboutissants de l’intrigue mais le scénario est particulièrement bien ficelé et vous mènera d’erreur en erreur. Faites bien attention aux détails, car rien n’est laissé au hasard dans le scénario. On se laisse facilement prendre par cette histoire qui nous donne des sueurs froides.

Shutter Island est film à l’ambiance glauque particulièrement réussi mais je n’ai pas été séduit par l’histoire même si elle est bien ficelé. A mon sens Scorsese devrait continuer à faire des films gangster, car il excelle dans ce genre, et c’est toujours un régal. Shutter Island est premier au Box Office et la presse en a beaucoup parlé, mais pour moi, ce n’est pas un grand film, ni le film à voir de toute urgence. Néanmoins vous ne serez pas déçu et le film vous réserve quelques sueurs froides.

Titre : Sherlock Holmes
Sortie le : 3 février 2010
Réalisé par : Guy Ritchie
Avec : Robert Downey Jr., Jude Law, Mark Strong, Rachel McAdams
Genre : Action, Aventure
Synopsis :

Aucune énigme ne résiste longtemps à Sherlock Holmes… Flanqué de son fidèle ami le Docteur John Watson, l’intrépide et légendaire détective traque sans relâche les criminels de tous poils. Ses armes : un sens aigu de l’observation et de la déduction, une érudition et une curiosité tous azimuts; accessoirement, une droite redoutable…
Mais une menace sans précédent plane aujourd’hui sur Londres – et c’est exactement le genre de challenge dont notre homme a besoin pour ne pas sombrer dans l’ennui et la mélancolie.
Après qu’une série de meurtres rituels a ensanglanté Londres, Holmes et Watson réussissent à intercepter le coupable : Lord Blackwood. A l’approche de son éxécution, ce sinistre adepte de la magie noire annonce qu’il reviendra du royaume des morts pour exercer la plus terrible des vengeances.
La panique s’empare de la ville après l’apparente résurrection de Blackwood. Scotland Yard donne sa langue au chat, et Sherlock Holmes se lance aussitôt avec fougue dans la plus étrange et la plus périlleuse de ses enquêtes…

Bande-Annonce :

Depuis que je suis tout petit, j’ai deux auteurs fétiches de roman policiers : Agatha Christie et Conan Doyle. Quand j’ai appris que Sherlock Holmes sortirait au cinéma, j’étais plus qu’enthousiaste. J’ai toujours aimé les policiers, non pas pour l’action et les coups de feu mais pour la réflexion qui mène au coupable. Le principe de « faire fonctionner ses petites cellules grises » comme dirait Hercule Poirot. Mais quand j’ai vu la bande-annonce, j’ai eu très très peur… En effet, la bande-annonce est un peu trop du genre James Bond 007. Et quand un film s’intitule « Sherlock Holmes », je m’attend à trouver un détective fumant sa pipe, faisant fonctionner ses méninges, jouant du violon, prenant des substances douteuses et ayant un compère médecin, loin d’être un aventurier. J’avais donc une très grande appréhension en allant voir ce film.

Deux heures et huit minutes plus tard, je reste sur une impression mitigée… Si j’ai adoré la façon dont Guy Ritchie a mis en scène le personnage de Sherlock Holmes, je n’ai pas aimé le côté gros boum, tirs à tout va, karaté kid et feux d’artifices qu’il a mis en place. Pour moi, ce qui fait l’intérêt d’un Sherlock Holmes, c’est la réflexion et non principalement l’action. Cependant, la complicité dans le jeu des deux acteurs, Robert Downey Jr. et Jude Law est remarquable. Il arrive à instaurer une amitié profonde qui me fait penser à celle qu’entretien le Docteur House avec le Docteur Wilson dans Dr House (toutes proportions gardées). Une amitié vache, où Holmes fait des coups bas à son compère mais au fond, c’est l’amour fou… Une vraie amitié de mecs biens virils. Concernant les décors et les costumes, ils nous mettent parfaitement dans l’ambiance et les images de synthèse utilisées sont très réussies. J’ai personnellement beaucoup aimé le petit clin d’oeil à la construction du London Bridge.

Donc en conclusion, un bon film, qui respecte assez l’esprit de Sherlock Holmes si ce n’est un trop plein d’action selon moi. Et sans rien révéler, il semblerait qu’on soit partie pour avoir un Sherlock Holmes II… Nice !!

Titre : A Serious Man
Sortie le 20 Janvier 2010
Réalisé par : Joel Cohen, Ethan Cohen
Avec : Michael Stuhlbarg, Sari Lennick, Richard Kind, Fred Melamed, Adam Arkin
Genre : Comédie Dramatique
Synopsis :

1967. Larry Gopnik, professeur de physique dans une petite université du Midwest, vient d’apprendre que sa femme Judith allait le quitter. Elle est tombée amoureuse d’une de ses connaissances, le pontifiant Sy Ableman. Arthur, le frère de Larry, est incapable de travailler et dort sur le canapé. Danny, son fils, a des problèmes de discipline à l’école hébraïque, et sa fille Sarah vole dans son portefeuille car elle a l’intention de se faire refaire le nez. Pendant ce temps, Larry reçoit à la fac des lettres anonymes visant à empêcher sa titularisation, et un étudiant veut le soudoyer pour obtenir son diplôme. Luttant désespérément pour trouver un équilibre, Larry cherche conseil auprès de trois rabbins. Qui l’aidera à faire face à ses malheurs et à devenir un mensch, un homme bien ?

Les frères Cohen sont réputés pour faire des films atypiques. Que ce soit avec Ladykillers (2004) ou un cran au-dessus avec Burn After Reading (2008), on a toujours eu cet humour burlesque et ce ton loufoque qui donne toute sa grandeur aux films des frères Cohen. Après le casting impressionnant de leur derniere production (Georges Clooney, Brad Pitt, John Malkovich) il était difficile de réunir autant de grandes pointures du septième art. On retrouve Michael Stuhlbarg aka Larry Gopnik, professeur de physique dans une petite université, qui tente de conserver le train-train quotidien qu’il avait jusqu’à maintenant, alors que sa femme annonce son intention de le quitter. A ses côtés, Sarah Lennick aka Judith Gopnik et Richard Kind aka Arthur Gopnik dans le rôle du frère squatteur de canapé. Vous devez surement connaître Richard Kind après l’avoir aperçu dans The Visitor (2008), Larry et son nombril, Scrubs et bien entendu dans les six saisons de Spin City aux côtés de Michael J. Fox. Je ne sais pas pour vous, mais cet acteur, à chaque fois que je le vois jouer dans un film, me donne un sentiment d’insécurité. Pas dans le genre d’un Hannibal ou Joker mais plus dans le sens où j’attend la scène suivante avec impatience, celle où il n’y sera pas. Et pourtant, c’est un excellent acteur mais je suppose qu’on ne peut pas aimer tout le monde. Enfin, on retrouve aussi dans ce film deux acteurs que j’affectionne énormément en les personnes d’ Adam Arkin aka Don Milgram et Simon Helberg aka Rabbin Scott Ginzler. Vous avez pu apercevoir le premier dans la cultissime série Life (2007/2008) en duo avec Damian Lewis aka Charlie Crews. Le second, vous devez l’avoir reconnu dès que j’ai prononcé son nom. Il s’agit de l’acteur qui joue Howard Wallowitz aka le juif de service dans The Big Bang Theory.

Ayant été le voir avec Damien, je trouve que A Serious Man reste néanmoins en dessous de leur dernier film (Burn After Reading) dont le casting était autrement impressionnant. Comme à son habitude, le film démarre lentement et pendant un court instant, j’ai cru m’être trompé de salle tellement l’action ne semblait pas coïncider avec les images que j’avais pu voir du film. Et quand enfin le film se lance, c’est de manière assez irrégulière. Il y a des passages hilarants et d’autres où l’on se demande ce qu’on fait là. Certains passages trainent un peu et on décroche quelque peu du film. Mais ce qui m’a le plus déçu c’est l’histoire. En effet, le synopsis raconte toute l’histoire. Pas d’action, pas de surprises, et pas même de réel fin. On pourrait presque croire qu’il y aura un A Serious Man II : Le Retour. Un film à aller voir si vous avez le temps et parce que c’est un film des frères Cohen, mais on ne vous en voudra pas si vous attendez sa sortie en DvD/Blue Ray.

Date de sortie cinéma : 13 janvier 2010
Réalisé par Clint Eastwood
Avec Morgan Freeman, Matt Damon, Scott Eastwood
Long-métrage américain.
Genre : Drame, Historique, Biopic
Durée : 2h12 min

Pour son trentième film, Clint Eastwood, alias l’ex Inspecteur Harry (celui qui manie le 357 à la perfection), nous livre un hommage à l’une des personnalités politiques qui a marqué le 20ème siècle, Nelson Mandela. Le film est inspiré d’un livre de John Carlin, « Playing the Enemy: Nelson Mandela and the Game that Made a Nation », lui-même basé sur une période véridique de la vie de Mandela.

Synopsis : En 1994, l’élection de Nelson Mandela consacre la fin de l’Apartheid, mais l’Afrique du Sud reste une nation profondément divisée sur le plan racial et économique. Pour unifier le pays et donner à chaque citoyen un motif de fierté, Mandela mise sur le sport, et fait cause commune avec le capitaine de la modeste équipe de rugby sud-africaine. Leur pari : se présenter au Championnat du Monde 1995…

Il se murmure que Mandela lui-même aurait suggéré Morgan Freeman pour jouer son rôle; il faut dire que Freeman et lui partagent une certaine ressemblance physique. Freeman joue d’ailleurs sont rôle à merveille. Il incarne un président humble, mais déterminé, sans jamais nous laisser oublier qu’au-delà du symbole, Nelson Mandela reste un homme avec ses travers. Je dois dire que le choix des acteurs est particulièrement réussi. Si on compare les personnages réels et les acteurs qui les incarnent, on voit une vraie ressemblance physique. Matt Damon (enfin dans sa version Invictus, c’est-à-dire avec un entrainement de rugbyman) ressemble au vrai François Pienaar, jugez-en par la photo qui suit. Cela donne une dimension très réaliste au film, presque documentaire.

Au dessus la vue du film et en dessous la photo de 1995

Invictus est très bien réalisé; une fois de plus Clint Eastwood nous montre qu’il est aussi grand voire meilleur réalisateur qu’acteur. La manière dont les matchs de rugby sont filmés est particulièrement bien réussie. Les matchs sont filmés tout à fait différemment de ceux qu’on a l’habitude de voir à la télé. Ici on est immergé dans le match, dans les mêlées, on court avec les Spring Bocks dans le stade, c’est une vraie réussite visuelle.

La critique trouve que Clint Eastwood tire trop sur la corde sentimentale des spectateurs avec Invictus, et qu’il enjolive les choses alors qu’à l’heure actuelle, le pays fait face à de grandes difficultés. Je ne suis pas vraiment d’accord avec cette approche. Ce film est plus un hommage à un grand homme qu’un film sur la situation en Afrique du Sud. Et puis le film aurait-il été meilleur si l’histoire n’avait pas été un peu adoucie? Il faut replacer l’histoire dans son contexte, la coupe du monde rugby de 1995 et la fin de l’apartheid; il ne faut en aucun cas essayer de transposer l’histoire aujourd’hui, même si, hasard du calendrier, l’Afrique du Sud est sous les feux des projecteurs pour cause de coupe du monde de football. Le seul reproche, et il est très très léger, que je fais à Eastwood, c’est son choix de musiques, qui par moment accentue trop la fibre sentimentale alors que les images seules auraient, je pense, suffit.

Conclusion: Invictus m’a plu et je vous conseille d’aller le voir. C’est un belle reconnaissance du travail de Mandela et un film plein de bons sentiments et d’humilité. Clint Eastwood signe, après Gran Torino, de nouveau un beau film.  J’ai hâte de voir quel sera le sujet de son prochain projet.

Date de sortie cinéma : 6 janvier 2010
Réalisé par Alejandro Amenábar
Avec Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac
Long-métrage américain, espagnol.
Genre : Drame, Aventure, Historique
Durée : 2h06 min

Agora signe le retour de l’antiquité au cinéma. En effet, depuis Gladiator, de Ridley Scott (1999), l’Antiquité n’a pas vraiment été à la mode. Mais 2010 signera le retour des Grecs, des Romains et de leurs Dieux dans les salles obscures. On pourra y voir quelques films tels que Percy Jackson le voleur de foudre de Chris Columbus (Février 2010) ou encore Le Choc des Titans de Louis Leterrier (Avril 2010). Reste à savoir s’ils seront à la hauteur des attentes.

Synopsis:

IVème siècle après Jésus-Christ. L’Egypte est sous domination romaine. A Alexandrie, la révolte des Chrétiens gronde. Réfugiée dans la grande Bibliothèque, désormais menacée par la colère des insurgés, la brillante astronome Hypatie tente de préserver les connaissances accumulées depuis des siècles, avec l’aide de ses disciples. Parmi eux, deux hommes se disputent l’amour d’Hypatie : Oreste et le jeune esclave Davus, déchiré entre ses sentiments et la perspective d’être affranchi s’il accepte de rejoindre les Chrétiens, de plus en plus puissants…

J’aime bien les films qui ont pour décor l’Antiquité et du coup Agora m’attirait. Seul bémol, le réalisateur, Alejandro Amenabar, ne me disait pas trop car j’avais detesté Les Autres (2001) avec Nicole Kidman. L’histoire se déroule donc à Alexandrie au IVe siècle Ap J-C, alors sous dominance romaine et, première chose, les décors, en images de synthèse, sont bien réalisés (mais après avoir vu Avatar, je me dis maintenant qu’on peut mieux faire). Bien sûr si Agora avait eu la moitié du budget d’Avatar, on aurait vu la différence.  Malgré tout, on est bien immergé dans le IV siècle Ap J-C, les costumes et l’ambiance y sont bien représentés. J’ai bien aimé l’esthétique générale de ce film.

Là où le bât blesse, c’est le jeu des acteurs qui n’est pas, à mon sens, assez convaincant. Les personnages manquent de profondeur et c’est dommage. Rachel Weisz, que j’ai beaucoup aimée dans The Constant Gardener (2005) de Fernando Meirelles, réalise ici une interprétation plate, à croire qu’elle du mal à faire passer les émotions de son personnage.

Attention aux yeux, si vous n’aimez pas les erreurs historiques dans les films; Agora va vous piquer les yeux, malheureusement! Premièrement, Hypatie (le personnage principal) est connue pour ses travaux philosophiques et non astronomiques. Deuxièmement elle meurt beaucoup plus vieille. Mais Agora prend aussi des liberté avec la chronologie des découvertes scientifiques, et tout cela gâche l’histoire. Ceci aurait  aurait pu facilement être évité en embauchant un ou deux historiens. Alors je lance un petit coup de gueule : Toi réalisateur, et toi producteur, pitié!! Quand vous faites des films qui se déroulent dans une période historique précise, consultez des historiens, ne remodelez pas l’Histoire à votre scénario mais plutôt votre scénario à l’Histoire.

Agora m’a frustré plus que déçu, car je pense qu’Amenabar tenait là une bonne histoire dans de beaux décors; malheureusement, il n’a pas su exploiter le potentiel à sa disposition. Je retiendrais néanmoins le thème principal du film, à savoir le fanatisme religieux, qui est d’actualité et particulièrement difficile à traiter. Agora est une illustration, cette fois plutôt réussie étant donné le sujet, de la manière dont le fanatisme religieux va à l’encontre de la raison humaine. Ce film nous montre aussi à quel point les hauts dignitaires religieux craignent les découvertes scientifiques, alors même que l’un ne va à l’encontre de l’autre. La religion est un sujet très personnel, qu’il est toujours délicat de traiter sans offenser les croyances de chacun. J’ai trouvé que le message de fond était bien délivré, avec une certaine objectivité. Agora reste un film en demi teinte, qui aurait mérité plus de travail de fond et des intrigues plus complexes, plus poussées. Néanmoins je ne peux pas dire que cela soit un mauvais film, mais plutôt un film qui aurait pu être bien meilleur entre les mains d’un autre réalisateur.